https://www.youtube.com/@lasaventurasdedavid

http://www.youtube.com/watch?v=X8CCXqN2I6E

http://www.youtube.com/watch?v=X8CCXqN2I6E

UNIDAD DIDÁCTICA 0: OBJETIVOS DEL CURSO

3 OBJETIVOS:

1. Conocer las técnicas de operación y dirección de cámara
2. Debatir cuestiones artísticas, folosóficas y estéticas
3. Desarrollar instinto crítico y analítico

Un oficio, un Arte: extracto de "El Director de Cine, de Jaime Camino:

La Dirección de Cine es un oficio. Oficio singular, pues quien lo profesa necesita para ejercerlo de la colaboración de profesionales de otros oficios. Precisamente por eso se le concede el nombre de Director.

Con su buen oficio el Director conduce el trabajo de los demás oficiantes: ACTORES, DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA, OPERADOR, FIGURINISTA, MAQUILLADOR, DECORADOR... Cada uno de ellos tiene su oficio; el de Director consiste en dirigirlos a todos ellos y dirigir la película que se está haciendo. Ése es su oficio en el complejo trabajo de realizar una película. Todos los demás van a estar a sus órdenes que seguirán con mayor tino y agrado cuanto mejor sea el oficio del Director.

CONOCIMIENTOS Y CONDICIONES PERSONALES

El director debe conocer lo suficiente de todos los ámbitos del cine, pero especialmente:

- Guión
- Dirección de Actores
- Cámara
- Montaje

Y debe tener (o adquirir) las siguientes características personales:

- Cultura artística
- Sentido del ritmo
- Gusto por la luz y el color
- Resistencia y energía
- Seguridad
- Flexibilidad
- Dotes de persuasión y ENTUSIASMO
- Paciencia

¿CÓMO COMIENZA EL TRABAJO DE DIRECTOR?


El Director recibe un paquete. El director abre el paquete. Dentro hay un guión. Cuando el Director lee el guión aparecen imágenes en su cabeza: imagina escenas. Eso es lo que se conoce como LA VISIÓN.

El Director trabaja y perfila estas visiones: toma notas en los márgenes del guión. Deberá leer el guión muchas veces. Identificará los momentos claves (porque habrá estudiado y entenderá cómo funciona la estructura). Y entonces comenzará a trabajar en sus 4 responsabilidades como Director:

RESPONSABILIDAD 1: DIRIGIR EL GUIÓN

La primera tarea del Director es leer y releer el guión y buscar los detalles visuales que le ayudarán a contar la historia. A continuación, un Director debe decidir lo que es necesario agregar o cambiar, porque el guión ya es su responsabilidad. El guionista puede participar, pero eso dependerá del Director. Las decisiones que el Director tome deben escribirse en una nueva versión del guión. No se dejan para más tarde, porque el Productor debe comprobar el coste de cada escena. Si vas a necesitar un helicóptero, mejor que el productor lo sepa 1 año antes del rodaje. Una vez se ha decidido la forma final del guión, no se realizan más cambios. Naturalmente, si la inspiración llega en el plató, siempre se puede cambiar una frase, pero nadie traerá un helicóptero, ese tipo de decisiones hay que tomarlas con antelación.

REGLA 1 DEL CINEASTA: SÉ PREVISOR.


RESPONSABILIDAD 2: DIRIGIR LOS ACTORES

Dirigir una película y dirigir una obra de teatro es muy diferente. En una película, el momento de realizar el casting es muy importante: tanto que muchos directores afirman que si el casting es acertado, el resto está hecho. Escoger un rostro, una voz y un lenguaje corporal se corresponde también con nuestra visión. Transmitir al actor nuestra visión (y dejarle espacio para añadir su propia parte) es la segunda parte del trabajo: los ensayos. La tercera parte es el rodaje en sí.


RESPONSABILIDAD 3: DIRIGIR LA CÁMARA

Si los actores son el vehículo de la historia, la cámara es el ojo del espectador. Con los años, el cine ha establecido una gramática clara de l que debe hacerse y lo que no, lo que funciona para contar la historia y lo que despista al espectador. Aunque no es imprescindible que el Director los fundamentos físicos del oficio del cámara (eso es tarea del cinematógrafo), sí es necesario que tenga cierto conocimiento de lentes, ángulos, leyes de montaje y raccords (las reglas de la continuidad entre tomas).


RESPONSABILIDAD 4: DIRIGIR EL PRESUPUESTO

Supongamos que nuestro dinero nos llega para rodar dos semanas. Nuestro guión tiene 90 páginas y nuestro ratio es de 1/6 (el ratio es el número de tomas que necesitas para obtener la "toma buena"; cuantas más tomas, más posibilidades de encontrar lo que necesitas cuando entres a la sala de edición). Dos semanas son 12 días, lo que significa que tenemos que rodar 7 páginas al 1/2 día: si no hay mucho cambio de localización y no se pierde mucho tiempo en transporte, es posible. Pero hay que gestionar el tiempo para no salirse del presupuesto, y eso significa, muchas veces, tener que renunciar a rodar la "escena 4 desde 28 ángulos". Ruédalo en 1, y continúa con la siguiente escena, porque no hay más tiempo. Ahora es cuando se echa en falta el haber tenido un ensayo más con los actores.

CONSEJOS PARA DIRECTORES


1. Estudia películas, y el por qué funcionan. IMITA.
2. Aprende sobre el mundo de los actores, y habla con ellos.
3. Rueda siempre un Master Shot.
4. Si rompes una regla de continuidad (o Raccord) debe ser por una buena razón.
5. Grita "corten" 3 segundos más tarde de lo que te gustaría. Te dará la vida en la sala de edición.
6. Rueda todas las inserciones y planos de transición que puedas.
7. Mueve la cámara y cambia los ángulos.
8. Establece la geografía de la escena.
9. Repasa los "brutos" y comprueba que no te falta nada.
10. Aprende a Editar. Si sabes lo que sucede en la edición, serás más consciente en el rodaje.
11. El sonido es la MITAD de la película. No lo olvides NUNCA (es barato tener un buen sonido, un micro bueno vale 200€).
12. Practica. Aunque sea un vídeo de vacaciones, prueba, experimenta.

TEMARIO DEL CURSO


SEMANA 1: 11 DE ENERO DE 2010

El Director, la Cámara y la Lente.
El movimiento intermitente, el funcionamiento de la cámara: obturador de la cámara.
Las lentes: F-Stops y T-Stops, Velocidad, Coating, Rango, Enfoque, Zooms, Filtros y Monturas. Principales ópticas: PROFUNDIDAD DE CAMPO.

SEMANA 2: 18 DE ENERO DE 2010

Espacio, tiempo, ÓPTICA 2 y Raccords.
El cine ha creado reglas a lo largo de su historia. Hay cosas que funcionan, cuando se mueve la cámara y cosas que no. También hay que aprender a romper "creativamente" las reglas.

SEMANA 3: 25 DE ENERO DE 2010

Operación de Cámara con RED ONE.
Tammo Verent Van Hoorn, cámara profesional del mundo del cine, nos explicará cómo sacar lo máximo de la RED ONE.

SEMANA 4: 1 DE FEBRERO DE 2010

La cámara estática.
La cámara estática se apoya en un trípode, pero se mueve. Éstas son sus posibilidades.

SEMANA 5: 8 DE FEBRERO DE 2010

La cámara dinámica 1.
Pan, dolly, track, etc.
Cuando la cámara se mueve, la expresión de la escena cambia. Durante dos semanas exploraremos diferentes maneras de mover la cámara: usando dollys, grúas, etc.

SEMANA 6: 15 DE FEBRERO DE 2010

La cámara dinánica 2.
Steady, Hand Heid, Virtual, Coches, ...
Otras maneras de mover la cámara.

SEMANA 7: 22 DE FEBRERO DE 2010

Diálogos.
A 2,  a 3, a 4 y sonido.
Los diálogos tienen mayor dificultad de lo que parece. En esta clase aprenderás a crear diálogos que mantengan el interés. También repasaremos la importancia de obtener un buen sonido.

SEMANA 8: 1 DE MARZO DE 2010

El guión y la Idea:
Todo comienza con la lectura y la interpretación del guión. Aprenderemos a romper el guión y situar los personajes y las localizaciones. Nuestra idea se forma en la cabeza. Ahora debemos usar técnicas para previsualizarla: fotografía de localizaciones, dibujos conceptuales, sketches, storyboards,...

SEMANA 9: 8 DE MARZO DE 2010

Citizen Kane, exhaustivo y "plano secuencia".
Aprenderemos más cine de Orson Welles que de nadie más. También repasaremos la utilidad de los "planos secuencia".

SEMANA 10: 15 DE MARZO DE 2010

Plató, protocolos y quién es quien. Esta semana tenemos dos citas. El lunes aprenderemos con Tammo Bernet cómo funciona un plató de cine: quién es quien, qué responsabilidad tienen el 1AD o el 2AD, o la continuidad. Usaremos hojas de cámara y continuidad. El domingo rodaremos un cortometraje.

RODAJE: 21 DE MARZO DE 2010, de 9 de la mañana hasta... nunca se sabe cuándo se termina. Sólo cuándo se empieza.

SEMANA 11: 22 DE MARZO

Dirigiendo la Edición.
Este curso finaliza con la edición de nuestro corto. Aunque el que "monta" sea el editor, debemos conocer las bases porque así, rodaremos pensando en la edición.


BIBLIOGRAFÍA RECOMENDADA:

Amiel, V. (2005). Estética del Montaje. Madrid: Abada Editores.

Buckland, W. (2006). Directed by Steven Spielberg. New York: The Continuum International Publishing Group Inc.

Camino, J. (2008). El Director de Cine. Madrid. Ediciones Cátedra.

Figgis, M. (2007). Digital Film-making. New York: Faber and Faber.

Jones, C. (2006). The Guerrilla Film makers Handbook. London: Continuum.

Jones, C. (2006). The Guerrilla Filmmakers Movie Blueprint. London: Continuum.

Malkiewicz, K. (2005). Cinematography. New York: Fireside.

Racionero, A. (2008). El Lenguaje Cinematográfico. Barcelona: Editorial UOC.

Rodríguez, R. (1996). Rebelde sin Pasta. Barcelona: Ediciones B.

Van Sijll, J. (2005). Cinematic Storytelling. Studio City: Michael Wiese Productions.

Vineyard, J. (2008). Setting up your shots. Studio City: Michel Wiese Productions.

UNIDAD DIDÁCTICA 1: 11 DE ENERO DE 2010

BASES DE LA FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA

OPERACIÓN Y DIRECCIÓN DE CÁMARA: PARTES DE LA CÁMARA

MATTE BOX

El Matte Box es en realidad una visera: su función es evitar que la luz golpee la lente de lado, provocando reflesjos e imágenes lechosos. Tiene espacios para introducir filtros (cristales que modifican la imagen).

LENTE

Es la parte más importante de la cámara, ya que es la que capta la imagen y la proyecta en la película o sensor CCD.

VISOR

El visor (o a veces una pantalla) permite previsualizar la imagen sin interferencias externas.

MAGAZINE

Carrete de la película.

FPS, OBTURADOR Y EXPOSICIÓN

FPS

Frames Per Second (cuadros por segundo).
Es la cantidad de imágenes que la cámara capta cada segundo.

Dependiendo del medio (o del país), se usan una cantidad diferente de FPS para reproducir (no necesariamente para grabar).

60i

(Realmente son 59,94, o 60x1000/1001 para ser más precisos; "60 interlaced fields o cuadros entrelazados" = 29,97 cuadros). Son los FPS estándar para televisión en las zonas NTSC (AMÉRICA).

La "i" de interlaced significa que la cámara graba sólo las líneas par e inventa las impar o viceversa, permitiendo más velocidad de grabación. Es un formato, por tanto, de baja calidad, pero rápido para televisión.

50i

(50 INTERLACED = 25 cuadros). Son los FPS estándar para televisión en las zonas PAL (EUROPA) y SECAM.

30p

(30 CUADROS PROGRESIVOS). Es un formato no entrelazado de vídeo a 29,97 FPS. El escaneo progresivo (no entrelazado) imita la forma de capturar imágenes de la cámara de cine y proporciona claridad y una profundidad de campo más cinemática. Los modos "p" o progresivos ofrecen vídeo sin "artificios".

24p  

Es un formato progresivo usado por la industria del cine en las zonas NTSC (América). Algunos cineastas se obsesionaron en los 80 con que 24p da realmente sensación de cine, aunque eso no tiene sentido porque nuestros cines funcionan a 25fps, con lo que vemos las películas un par de minutos más cortas que los americanos).

Aunque, para abreviar, le llamemos 24p, en realidad es 23,976p.

25p

Es el formato que se utiliza en Europa, tanto en Cine como en Vídeo y TV. Muchas pantallas LCD y LED usan esa frecuencia de refresco. Como los 24p, 25p se usan a menudo para conseguir el "aspecto de Cine".

50p and 60p  

Son formatos progresivos que se están usando en televisión HDTV (50 en Europa y 60 en Usa).

En Europa reproducimos cine a 25FTS. Por tanto, ésa es la unidad que utilizaremos.

CÁMARA LENTA Y CÁMARA RÁPIDA

Si grabamos una escena a 200 FPS (y se reproduce a 25FPS) obtendremos cámara lenta. Es decir:

- Si grabamos a más FPS que a los que reproducimos, obtendremos cámara lenta.

- Si grabamos a menos FPS que a los que reproducimos, obtendremos cámara rápida.

- Si el reproductor va a la misma velocidad que el grabador, obtenemos Tiempo Real.

OBTURADOR

El obturador de una cámara de cine es una medialuna que gira 50 veces por segundo, permitiendo que 25 veces por segundo entre luz, y 25 veces por segundo esté la ventana tapada y pueda avanzar el rollo de película.

A velocidad normal de 25 FPS, la película se expone a 1/50.

Cambiando las velocidades se consiguen efectos como el "blur" o "trepidado" o el "afilado".

Si el obturador está más tiempo abierto (1/25, por ejemplo), la imagen queda borrosa y onírica.

Si el obturador está menos tiempo abierto (1/100, por ejemplo), la imagen queda dura, afilada, con características de documental hiperrealista.

EXPOSICIÓN

El diafragma de la lente es una pequeña obertura que se puede abrir y cerrar para dejar pasar más o menos luz, causando que la imagen esté correctamente expuesta.

La apertura del diafragma se mide en números T, que pueden tener valores desde T1.4, T2, T3, T4, T5.6, T8, T11, T16, T22.

Esstos números provienen de una fórmula matemática, pero lo que nos interesa es saber que T1.4 es el diafragma más abierto (entra más luz) y T22 es un diafragma muy cerrado, entra menos luz.

Si hay poca luz, habrá que abrir el diafragma, y si hay mucha, cerrarlo, (como la pupila humana).

LA LENTE


IMAGEN.......... LENTE..........SENSOR

El OBJETIVO o LENTE canaliza la luz y la lleva hasta el sensor o película.

La lente, si está bien construida, puede llegar a aperturas de diafragma muy grandes sin padecer aberración óptica. De esta manera, consideramos "mejor lente" aquella que puede abrir más. Así, una lente T1.4 es mejor que una lente T3.

Los objetivos o lentes pueden tener diferentes tamaños que determinan su "distancia focal" (que es la distancia entre la lente y el sensor).

La distancia focal de una lente es la distancia existente entre el centro óptico de la lente y el plano focal donde se recoge la imagen.

EXISTEN DOS TIPOS DE OBJETIVOS:  

- Los objetivos de focal fiija: una única distancia focal, llamados PRIME o LENTES PRIMAS.

- Los objetivos de focal variable, llamados ZOOMS.

La distancia focal de un objetivo está directamente relacionada con el ángulo de visión que ofrece a nuestra cámara. (Cuanta mayor distancia focal, menor ángulo de visión).

DISTANCIA FOCAL mm          ÁNGULO DE VISIÓN º

                 8mm                                              180º     
              20mm                                                 94º
              50mm                                                 46º
              85mm                                                 28,5º
           200mm                                                 12º

PROFUNDIDAD DE CAMPO

http://www.dzoom.org.es/noticia-1554.html


(http://img85.imageshack.us/img85/458/profundidaddecampo19.jpg)

(http://img138.imageshack.us/img138/1584/profundidadcampo1aaaaa.jpg)

(http://img651.imageshack.us/img651/1170/profundidadcampo1.jpg)

(http://img46.imageshack.us/img46/5586/profundidadcampo1aaa.jpg)

(http://img245.imageshack.us/img245/9140/profundidadcampo1aa.jpg)


La profundidad de campo es un término utilizado en fotografía para expreswar el rango de distancias reproducidas con una nitidez aeptable en una imagen.

La profundidad de campo va a influir de forma decisiva en la atención a la hora de contemplar una fotografía, ya que inconscientemente dirigimos nuestros ojos a aquellas zonas de la imagen que se encuentran más enfocadas frente a aquellas otras que no lo están. La profundidad de campo obtenida va a depender de varios factores:

1. APERTURA. La profundidad de campo será mayor cuanto más cerrado esté el objetivo, o lo que es lo mismo, tenga un número T mayor. Así, una imagen tomada desde un punto a T16 tendrá mayor profundidad de campo que otra tomada desde el mismo punto con una apertura de T4.

2. DISTANCIA. Cuanto más cerca nos encontremos del elemento que estemos fotografiando, menor será la profundidad de campo. Cuanto más lejos nos encontremos del objeto a grabar, la profundidad de campo será mayor. Esto significa que si con una misma abertura filmamos un objeto que tengamos cerca nuestro, la profundidad de campo será menor que si filmamos con esa misma abertura a algo que se encuentre más alejado.

3. DISTANCIA FOCAL. Cuanto menor es la distancia focal de nuestro objetivo (o la que tengamos seleccionada en un momento dado, si es un objetivo zoom de focal variable), mayor será la profundidad de campo obtenida.



FIN DE LA UNIDAD 1: FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA

UNIDAD DIDÁCTICA 2: 18 DE ENERO DE 2010

DEL GUIÓN A LA IMAGEN. VISUALIZACIÓN.

En el desarrollo de una película, el director se encuentra envuelto en todos los estadios, desde la Preproducción a la Postproducción y Distribución.

En la fase de Pre-Producción, encontramos 5 fases durante las cuales el guión forma una VISIÓN en la mente del director y del productor.

1. Escritura y reescritura de Guión.
2. Diseño de producción.
3. Anlálisis de Guión.
4. Cinematografía.
5. Ensayos.

1. ESCRITURA Y REESCRITURA DEL GUIÓN.  

El guión casi nunca se termina. Hay cambios hasta el último día de rodaje. (Ver curso de guión)

http://www.foromontefrio.com/index.php?topic=994.0

2. DISEÑO DE PRODUCCIÓN.  

Así como el guión contesta a la pregunta "qué" de la historia, el diseño de producción contesta "dónde" y "cómo". Toda la capacidad de observación del director se pone ahora al servicio de la película.

Excepto en casos de muy bajo presupuesto, el diseño de producción es encargado a un diseñador de producción. El director comienza a mantener reuniones con el diseñador de producción explicándole cada escena tal y como él la ve.

El productor, el director y el diseñador usan una técnica que se llama "desmembrar el guión".

DESMEMBRAR EL GUIÓN.

Los tres se reúnen y examinan el guión apuntando cada objeto, vestido, localización, etc., que se nombre, evalúan si se puede comprar o si se debe construir, y el aspecto que tendrá. Esto también permite al productor organizar el rodaje y decidir qué días (verano, invierno), cuándo, dónde y cuántos días.

El diseñador de producción prepara los "diseños conceptuales" y coordina:
 
- Los diseñadores de vestuario y maquillaje
- Equipos de construcción
- Equipos de FX (EFECTOS ESPECIALES)
- Los "Location Manager" o jefes de localización

DIBUJOS CONCEPTUALES

Otra manera de pre-visualizar los espacios es con el uso de proyecciones arquitectónicas, sobre todo cuando el objeto a visualizar va a ser construido de cero.

El uso de modelos está ampliamente difundido. Ya sean 3D u objetos reales, permite ver el objeto en tres dimensiones antes de construirlo. Escenas multitudinarias de batallas, etc., son más fáciles de pre-imaginar usando figuritas de Warhammer.

MANAGER DE LOCALIZACIEL GUIÓN ILUSTRADO

Cuando la mayoría de las localizaciones están seguras, es el momento de pre-visualizar las escenas más difíciles de la película.

Es útil adjuntar imágenes (fotos, diseños) al guión, de manera que parezca una novela con ilustraciones.


EQUIPO DE DISEÑO DE PRODUCCIÓN:  

El diseñador junta un equipo a sus órdenes, que se estructura en varios sub-equipos:

* Diseño de Producción

   - Director artístico
   - Manager de Localización
   - Dibujantes (conceptuales y storyboards)
   - Asistentes de diseño
   - Encargado de Construcción
          * Carpinteros, operarios, etc.
   - Prop Manager
          * Constructores y compradores de Props

* Maquillaje

   - Maquilladora Jefe
          * 2 a 6 maquilladores
          * 0 a X maquilladores de FX

* Vestuario

   - Diseñadora de ropa
          * 1 a X cosedores

3. ANÁLISIS DE GUIÓN.  

Cada cineasta usará una técnica diferente para trabajar el guión antes del rodaje. Algunos hacen una lista de tomas, otros hacen Storyboards, otros hacen Planos alzados. Hay miles de maneras de trabajar cada secuencia, dependiendo de cada proyecto.

Lo siguiente son SUGERENCIAS de cómo diseñar una lista de tomas o un storyboard para una escena.

* LEER EL GUIÓN. EL PAQUETE, de Paul Hardy -anexos-.  

Después de haber leído varias veces el guión y reescribirlo con el guionista, el director debe tener una idea general de cómo va a presentar la mayoría de las ideas.

Lo ideal es:

* Hacer  primero una copia del guión
* Tomar notas al margen de las ideas que van ocurriendo
* Transcribir las ideas a una carpeta o libreta donde incluimos fotografías, sketches, ideas de música, etc.
* Pensar en las localizaciones /platós y comenzar a plantearse la idea

Una lista de planos significa describir la coreografía de las cámaras y los actores: el tamaño del encuadre, la lente, el ángulo y si corta o hace un plano largo. Suele ser algo como:

"Plano General, Steady hacia adelante entre la gente que baila hasta el bulto en sus pantalones. Gran Angular. A la altura de la visión y poco a poco baja hasta la altura del bulto. Ángulo paralelo al suelo. Marco está apoyado en la pared. Se aparta para que pase la gente, hasta que una mujer le golpea sin querer en el bulto:"


Así pues, apuntamos las 4 decisiones más importantes de cámara:

1. Posición
2. Tamaño del encuadre
3. Ángulo
4. Edición

Pero de cada decisión nos interesan 2 cosas: el punto de vista Gráfico (la imagen en sí) y el punto de vista Narrativo (la historia en sí).

Un hábito que se debe tomar siempre al decidir un plano es plantearnos las siguientes preguntas:

POSICIÓN

- Gráficamente: ¿Dónde está la cámara colocada?
- Narrativa: ¿Qué punto de vista queremos expresar?

TAMAÑO

- Gráficamente: ¿Dónde está la cámara colocada?
- Narrativa: ¿Qué punto de vista queremos expresar?

ÁNGULO

- Gráficamente: ¿Cuál es el ángulo de visión?
- Narrativa: ¿Cuál es nuestra relación con el sujeto?

EDICIÓN

- Gráficamente: ¿Cortamos o movemos la imagen?
- Narrativa: ¿Estamos comparando puntos de vista?

Aunque a menudo estas cuestiones se solapan, forzarte a responder ayuda a ver el material de nuevas maneras.


El StoryBoard

Posiblemente no es necesario con todas las escenas, pero hacer STORYBOARDS de algunas escenas:

1. Permite comunicar la escena al resto del equipo
2. Permite prever si la escena funciona
3. Permite prever la cantidad de cámaras y posiciones de cámara a usar

Una técnica más moderna es la de usar Programas de 3D como DAZ STUDIO (gratuito) para recrear las escenas más complicadas. En inglés, esta técnica se conoce como PRE-VIZ.

4. CINEMATOGRAFÍA

El equipo de Cinematografía se une a la producción ligeramente más tarde, habitualmente unos pocos meses antes de que la Fotografía Principal comience.

- Extracto del curso de producción. -

El equipo de cinematografía varía dependiendo del presupuesto:

Películas de Cero Presupuesto (menos de 30.000€)

-  Director de Fotografía (DP). La persona más importante del equipo. Su misión es grabar la película. Entiende más de lentes y luces que nadie, y el director NO le dice cómo debe hacer su trabajo, sólo lo que quiere obtener al final. Es mitad artista, mitad electricista, mitad sargento. En películas de bajo presupuesto hace las veces de OPERADOR y de ILUMINADOR JEFE.

- Asistente de Cámara. El asistente se encarga de que todo esté preparado para el rodaje: las tarjetas de memoria preparadas, la cámara y la lente limpias, las hojas de cámara preparadas y en el sitio que las necesita el DP. En bajo presupuesto, hace de FOQUISTA y de todo lo que necesite el DP.

- Aparejador o "Chispas". Empuja dollies, prepara luces, monta focos y todo aquello que el DP pueda chillar.

- Sonidista. Persona que graba el sonido, ya sea ambiente o diálogo. En bajo presupuesto debe hacerlo todo él sólo, así que la cosa irá lenta, (debe apuntar, preparar, grabar, etc.).


Películas de Micro Presupuesto (30.000€ a 75.000€)

- Director de Fotografía (DP)
- Cámara
- Asistente de Cámara / Foquista
- Continuidad o "Supervisor de Guión"
- Aparejador Jefe
- 2 a 4 Operarios
- Sonidista
- Ayudante de Sonido


Películas de Bajo Prespuesto (75.000€ a 300.000€)

- Director de Fotografía (DP)
- Cámara
- Asistente de Cámara
- Foquista y Clapper
- Continuidad o "Supervisor de Guión"
- Aparejador Jefe
- 3 a 6 Operarios
- Sonidista
- 2 x Ayudantes de Sonido
- Director 2ª unidad
- Operador 2ª unidad

La comunicación entre el DP y el Director es crucial.
Semanas antes de que comience la película, el DP debe haber entendido el aspecto global de la película, visitado las localizaciones, visto los objetos a filmar y entender el diseño de producción perfectamente, evaluar las luces que necesitará, y preparado a su equipo.

5. ENSAYOS

No sólo con los actores necesitaremos ensayar: el equipo de cámara y el de producción necesitarán probar vestuarios, construcciones, luces, etc. Muy comúnmente, algo que sobre el papel funciona, no funciona el día del rodaje: la tela brilla demasiado, la cámara no cabe en un nicho, etc.). Es necesario probar las escenas complicadas para ahorrarse diinero en el set.



FIN DE LA UNIDAD 2: DEL GUIÓN A LA IMAGEN. VISUALIZACIÓN.

BALANCE DE BLANCOS

La cámara estática.

8-febrero-2010: Grúa-dolly. Movimientos suaves. Cámara siempre en movimiento. Uno empuja, el operador dirige, el foquista enfoca.

15-febrero-2010: Steadycam. "Baile", movimientos suaves. Separar brazo del cuerpo. Travelling circular (girando cámara con la muñeca). (Pasarán apuntes).